BAUHAUS
arquitectura, diseño y pedagogía…

Un nuevo tipo de sociedad fue creada cuando comenzó a implementarse la idea de una cultura hecha por el pueblo y para el pueblo. Desde entonces, surgió un nuevo pensamiento basado en la construcción de un futuro y renovado por el valioso aporte industrial.

La cambiante y estrecha relación entre el arte, el diseño y la arquitectura, comenzó a tomar otro rumbo a finales de marzo de 1919, cuando el arquitecto berlinés Walter Gropius decidió darle vida a un nuevo movimiento a través de la creación de una escuela llamada "Bauhaus Estatal de Weimar".

Fundamentada en el trabajo conjunto entre la mano de obra industrial y el artista, esta corriente buscaba innovar el campo artístico al introducir las nociones de la construcción para transformar una imagen de uso diario en una idea estética. La idea era componer un movimiento con amplia actividad social, intelectual y simbólica. De esa forma, se fundirían dos oficios que hasta ese momento habían permanecido separados e independientes uno del otro.

El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "de la construcción" y Haus, "casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho que su fundador fue un arquitecto. Al inicio de este siglo encontramos a varios personajes que dieron un gran cambio a la arquitectura, desde los Constructivistas Rusos hasta lo que ahora tocaremos que es la Bauhaus.

Estos movimientos negaron la arquitectura del siglo pasado y buscaron crear otra, surgida de nuevos materiales y con la ayuda de la tecnología. La nueva estética, carente de ornamentos, buscaba sobre todo sencillez, utilidad y difusión. Esta ideología, al enfocarse en todas las clases sociales, evitaba que la arquitectura se siguiera desarrollando en una elite de la sociedad a través de obras públicas y monumentos. De esta manera se conformó la arquitectura del siglo XX.

En el caso de la arquitectura de la Bauhaus sobresalió por ser funcional; en ella se utilizaban al máximo los nuevos materiales y la tecnología. Las clases de arquitectura en esa escuela procuraban crear una profundidad analítica en el estudiante.

Los tres arquitectos más destacados de la Bauhaus, experimentaron con el nuevo material del siglo XX: el hormigón, éstos utilizaron en sus obras el nuevo material combinándolo con estructuras de metal y cristal; de esta manera construyeron múltiples obras en las siguientes décadas.

Walter Gropius, arquitecto y profesor alemán, fundador de la Bauhaus, la escuela de arte que capitalizó la investigación sobre arquitectura y artes aplicadas durante la primera mitad del siglo XX. Buscar foto y obra

Marcel Breuer, arquitecto y diseñador húngaro, uno de los principales maestros del movimiento moderno. Breuer se hizo cargo más tarde del taller de muebles de la Bauhaus, y allí diseñó la primera silla de tubo de acero de la historia, que combinaba las condiciones flexibles de este material con su facilidad para la producción industrial a gran escala.

Mies van der Rohe, arquitecto alemán nacionalizado estadounidense, uno de los maestros más importantes de la arquitectura moderna y con toda probabilidad el máximo exponente del siglo XX en la construcción de acero y vidrio. Su arquitectura, se caracteriza por una sencillez esencialista y por la sinceridad expresiva de sus elementos estructurales. Aunque no fue el único que intervino en estos movimientos, su racionalismo y su posterior funcionalismo se han convertido en modelos para el resto de los profesionales del siglo. Según palabras de él "menos es más". Su obra se destaca por la composición rígidamente geométrica y la ausencia total de elementos ornamentales. Mies dirigió la Escuela de Arte y Diseño de la Bauhaus, uno de los focos principales para la evolución del movimiento moderno, entre 1930 y 1933, fecha en que fue clausurada por el partido nazi.

Las ideas originales de la Bauhaus puede encontrarse en el hecho de que, debido al deseo de privacidad de la gente, el concepto de transparencia se elimina con la gran cantidad de edificios que se construyen totalmente cubiertos por espejos. No obstante, la arquitectura actual sigue utilizando muchas ideas originadas en la Bauhaus: existen diversas estructuras de metal aparentes de manera expresiva. En ellas, la transparencia se logra no sólo por medio del cristal, sino también a través de otros materiales como celosías de madera o de metal. Además, dicha transparencia está considerada como hi-tech, ya que emplea la tecnología al máximo.

Todavía hoy la Bauhaus es sinónimo de una modernización radical del arte. No hubo ningún momento de la vida en que no reformar y remodelar pues entre sus temas se incluyen no sólo la arquitectura y la pintura, sino también la danza, el teatro, la fotografía y el diseño.

Por la amplitud de sus aspiraciones, la Bauhaus estaba estrechamente relacionada con el movimiento inglés Arts and Crafts y con la Deutscher Werkbund. Todavía hoy muchos de sus productos forman parte de los clásicos del diseño y resultan convincentes por su modernidad radical, como el sillón de tubo de acero de Marcel Breuer o la lámpara de mesa de la Bauhaus.

Mientras desde el punto de vista de los contenidos la Bauhaus fue una fuerza artística de primer orden, no pudo escapar de las fuerzas alemanas y europeas, y cada vez sufría mayores presiones políticas. Po r lo que La Bauhaus de Weimar hubo de cerrar sus puertas en 1925 y se trasladó a Dessau y asi a muchos otros países buscando una relativa tranquilidad o estabilidad de expresión tanto artística como política, pero llegaron en un momento en que no se debía ni hablar, ni hacer nada en contra de la política, por lo que pudo haber afectado a la escuela y la pedagogía de la Bauhaus.

Cuando la Bauhaus era una fiesta!!

REFERENCIAS CONSULTADAS

Biblioteca Premium Microsoft Encarta. (2006). Marcel Breuer [Multimedia en CD]. Disponible: Microsoft.

Biblioteca Premium Microsoft Encarta. (2006). Mies Van der Rohe [Multimedia en CD]. Disponible: Microsoft.

Biblioteca Premium Microsoft Encarta. (2006). Walter Gropius [Multimedia en CD]. Disponible: Microsoft.

Escuela de la Bauhaus (s/f). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.wikipedia.com/ [Consulta: 2008, Enero 26]

Home Bauhaus (s/f). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.arqchile.cl.com/ [Consulta: 2008, Enero 26]

Le Bauhaus (s/f). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.mipunto.com/ [Consulta: 2008, Enero 26]

EL CONSTRUCTIVISMO Y LA ESCUELA RUSA

Movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre, fue una influencia importante para el arte Europeo. Es fundado por el escultor y pintor ruso Vladímir Tatlin: pintor y escultor ruso en el cual fueron sus primeras obras las más representativas de este movimiento. Aunque comenzó cultivando un estilo figurativo, sus trabajos posteriores son abstractos. Se inspiró en las construcciones tridimensionales de madera, papel, y otros materiales de Picasso.

En Rusia empezó a experimentar en la escultura con relieves abstractos, utilizando materiales industriales como vidrio, metal, alambre y madera. Este tipo de trabajos, realizados entre 1913 y 1917, abrieron el camino a la aparición del constructivismo.

El nombre hace referencia a la construcción de esculturas abstractas partiendo de una gran variedad de materiales industriales, como metal, alambre y trozos de plástico. En 1920 ya se le habían sumado los artistas Alexandr Rodchenko, El Lissitzky, Naum Gabo y Antón Pevsner, entre otros.

El Constructivismo, es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el arte "puro" del arte usado como instrumento para propósitos sociales, a saber, la construcción del sistema socialista. El término Construction Art (construcción artística) fue utilizado por primera vez en forma despectiva por Kasimir Malevich para describir el trabajo de Alexander Rodchenko.
Artistas de este movimiento:

Alexander Rodchenko: pintor, dibujante, escultor y fotógrafo ruso que fue una de las figuras centrales del constructivismo en la Rusia revolucionaria. Su estética objetiva y analítica es típica del constructivismo que surgió durante los primeros años de la Revolución Rusa de 1917. Durante la década de 1920 realizó obras gráficas, incluyendo carteles y diseños para editoriales, en 1919 comenzó a interesarse por el collage y el fotomontaje, y a partir de 1924 se dedicó cada vez más a la fotografía y al cine. Buscar su foto y alguna obra

El Lissitzky, pintor, tipógrafo, diseñador y arquitecto ruso, uno de los principales representantes del arte abstracto y pionero en su país del constructivismo. Su identificación con el movimiento constructivista comenzó en 1919, en el mismo año, El Lissitzky pintó una serie de obras abstractas que denominó Proun (un acrónimo en ruso de ‘por el nuevo arte’).

Naum Gabo, escultor estadounidense de origen ruso. Fue uno de los líderes del constructivismo del siglo XX. Estudió medicina e ingeniería en Munich entre 1910 y 1914, pero este año comenzó a crear bustos y cabezas de inspiración cubista realizados en láminas de metal recortado, cartón o celuloide.

Entre 1917 y 1922, participó en la fundación del movimiento constructivista en Moscú, que abogaba por la construcción de esculturas a partir de materiales industriales en vez de utilizar el tradicional tallado en piedra o vaciado en bronce.

Antón Pevsner escultor francés de origen ruso, líder del movimiento constructivista de la escultura contemporánea. Tiene gran fidelidad a los principios constructivistas pero a la vez altamente personal. Aquí en Caracas en la Ciudad Universitaria podemos ver su Proyección dinámica al trigésimo grado.

Este Constructivismo Ruso, es el nacimiento de un arte moderno dentro de una sociedad destruida por una Revolución y más que eso una Guerra Mundial, en donde a pesar de todo estos factores hubo un florecimiento del arte creativo, todo esto siendo al mismo tiempo que caía el régimen zarista y se precipitaba la guerra civil, daba inicio el proceso que, tiempo después, consolidaría la Revolución en la Unión Soviética.

El arte Ruso ejerció una influencia internacional en el diseño gráfico y la tipografía del siglo XX. Tenía suficientes rasgos comunes con el cubismo y el futurismo para acuñar el término cubofuturismo. La experimentación en la tipografía y el diseño caracterizaron los libros y los periódicos de los artistas futuristas, presentando trabajos por medio de la comunidad artística, visual y literaria. Simbólicamente, los libros futuristas rusos fueron una reacción contra los valores de la Rusia zarista. La utilización de papel rústico de métodos de producción artesanal y de agregados hechos a mano expresaba la pobreza de la sociedad campesina.

El movimiento fue acelerado por la Revolución, pues se concedió al arte un rol social que raramente se asignaba. Los artistas revolucionarios se habían opuesto al viejo orden y al arte visual conservador. En el año 1917 pusieron sus energías en la propaganda masiva para poder apoyar a los bolcheviques. Pero para el año 1920, surgió una división ideológica concerniente a la función del artista dentro del nuevo Estado Comunista.

Para Tatlin y Rodchenko, las percepciones de las formas dentro del espacio y el tiempo, es el único objetivo de nuestro arte plástico y gráfico. Estos dos artes más 25 artistas propusieron un punto de vista contrario, cuando renunciaron "al arte por el arte" para consagrarse al diseño industrial, la comunicación visual y las artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista.

Estos constructivistas hicieron un llamado a los artistas para que dejaran de producir cosas inútiles y se volviera hacia el cartel, porque tal trabajo pertenece ahora al deber del artista. Tatlin cambió de la escultura al diseño de una estufa que daría el máximo de calor como un mínimo de combustible; Rodchenko abandonó la pintura por el diseño gráfico y el periodismo fotográfico.

Aunque el constructivismo persistió como una influencia en los gráficos soviéticos y el diseño industrial, pintores como Malevich, que no abandonó el país, fueron arrastrados a la pobreza y la obscuridad. Algunos artistas desaparecieron en el Gulag (Administración Suprema de Campos Correctivos de Trabajo, en otras palabras es el Departamento Oficial de la Policía Secreta de la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas).

Las innovaciones de este florecimiento artístico encontraron su desarrollo ulterior en Occidente. Sin embargo, la naturaleza del espíritu creativo tal, que a pesar de la estricta desaprobación oficial, el diseño gráfico innovador de la tradición constructivista continuó apareciendo de vez en cuando.

Algunas obras Constructivas Rusas

REFERENCIAS CONSULTADAS

Biblioteca Premium Microsoft Encarta. (2006). Alexander Rodchenko [Multimedia en CD]. Disponible: Microsoft.

Biblioteca Premium Microsoft Encarta. (2006). Antón Pevsner [Multimedia en CD]. Disponible: Microsoft.

Biblioteca Premium Microsoft Encarta. (2006). Constructivismo [Multimedia en CD]. Disponible: Microsoft.

Biblioteca Premium Microsoft Encarta. (2006). Lissitzky [Multimedia en CD]. Disponible: Microsoft.

Biblioteca Premium Microsoft Encarta. (2006). Naum Gabo [Multimedia en CD]. Disponible: Microsoft.

Biblioteca Premium Microsoft Encarta. (2006). Vladimir Tatlin [Multimedia en CD]. Disponible: Microsoft.

Constructivismo Ruso (s/f). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.wikipedia.com/ [Consulta: 2008, Enero 26]

Constructivismo Ruso (s/f). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.unostiposduros.com/ [Consulta: 2008, Enero 26]

Jugendstil... juventud!!

“Estilo joven o de la juventud” , es diferente del Art Nouveau que surgió en Alemania durante la última década del siglo XIX. El término provenía del título de la revista Jugend, la cual, fundada por Georg Hirth en Munich en 1896, desempeñó un papel importante en la popularización del nuevo estilo.

La generación de creadores del Jugendstil fue considerada una reacción a la asombrosa industrialización iniciada en Inglaterra, la cual provocó en el mercado una intensa producción en serie que echaba a un lado el trabajo artesanal. En efecto, la máquina sustituía a las creaciones únicas que salían de las manos del artesano.

Influidos por las ideas reformistas de John Ruskin y William Morris, los diseñadores del Jugendstil, como Hermann Obrist, Richard Riemerschmid y August Endell, tenían unos objetivos más idealistas que sus contemporáneos europeos ligados al estilo Art Nouveau. No sólo pretendían reformar el arte sino también recuperar un estilo de vida más sencillo y menos condicionado por los imperativos comerciales. Compartían el optimismo de la juventud y un gran respeto por la naturaleza que trasladaron a toda su obra.

Los diseñadores del Jugendstil se inspiraban en el funcionamiento del mundo natural Las formas orgánicas y los motivos vegetales manieristas empleados por August Endell y Hermann Obrist, Estos detallados estudios ayudaron a comprender mejor la naturaleza, lo que permitió a los diseñadores del Jugendstil dotar a su obra de un gran sentido del dinamismo y de un fuerte desarrollo orgánico.

En Alemania, este nuevo estilo se oponía a la política artística oficial del Imperio promovida desde Berlín, y muchas regiones con la ambición de expresar su sentimiento de autonomía cultural, como Dresde, Munich, Darmstadt, Weimar y Hagen, adoptaron con entusiasmo el Jugendstil.

Entre los artìstas màs destacados de este estilo tenemos:





Richard Riemerschmid, jefe de diseño del taller de Dresde, adoptó un estilo simple y tradicional similar a la obra de los diseñadores del Arts & Crafts británico, como Charles Voysey. El empeño de Riemerschmid por reformar el diseño mediante la estandarización y la adopción de métodos de fabricación racionales.
Bruno Paul, también desempeño un papel importante a la hora de promover el Jugendstil. Bruno Paul diseñó audace s caricaturas y gráficos para el diario Simplicissimus, que, como la revista Jugend o Pan, popularizó la nueva estética.



Pankok, siguió la línea de Bernhard, en el cual realizó la Casa Lange en Tubinga y estaba inspirado en el tradicionalismo, como también lo estaban los interiores del Jugendstil, que eran asombrosamente modernos dentro de su simplicidad.




Josef Maria Olbrich, arquitecto austriaco, uno de los principales representantes de la Sezession vienesa y precursor de la arquitectura del movimiento moderno.







Henry van de Velde, arquitecto y diseñador belga consejero artístico de su corte. Recibió el encargo de diseñar o proyectar la Weimar Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes Aplicadas de Weimar) en 1904. El propio Van de Velde dirigió la institución hasta 1914 (también Werkbund Institut) y, durante ese período, diseñó numerosos objetos de plata y cerámicas Jugendstil, que destacaban por su sencillez formal.

La arquitectura y el diseño del Jugendstil, a menudo era estructural y las formas naturales abstractas para crear una extraordinaria combinación de monumentalidad y luminosidad visual.

La tendencia alcanzó su esplendor en 1900, pero poco después fue desbancado por el racionalismo industrial del Deutscher Werkbund, fundado en 1907 por un grupo de promotores, diseñadores, arquitectos y artistas, algunos de los cuales habían pertenecido al Jugendstil.

La arquitectura, la pintura y la escultura jugendstil, fue hecha en particular por el trabajo manual altamente calificado, se vieron de pronto invadidas por una delicada ornamentación de líneas y de formas orgánicas de plantas y de flores. Líneas sinuosas y juguetonas que se enredan, suben y bajan, mujeres transformadas en pájaros, formas asimétricas, arabescos que parecen volar por las esquinas de una mesa o por las fachadas de los edificios; todo un mundo de formas exquisitas y bellas, estaba al alcance de una sociedad en pleno auge.

Se aprecian algunos puntos de contacto entre el Jugendstil y el movimiento Arts & Crafts británico ya que, por ejemplo, ambos apuestan por las formas naturales y los modelos tradicionales para reformar el diseño y, en última instancia, la sociedad. Por otro lado, la adopción por parte del Jugendstil de métodos de producción más industrializados sentó las bases de la evolución del diseño alemán, hacia una vertiente racionalista, impulsada desde el Werkbund y posteriormente desde la Bauhaus. El término “Jugendstil” se aplica también en la Historia del Diseño al Art Nouveau

Jugendstil, también es el arte de transformar el tiempo; en donde los objetos de todo tipo embellecen y facilitan la vida cotidiana, como un vaso o un tapiz, un reloj o un vitral, aparecen como testigos de una época de grandes cambios y nuevas técnicas en el arte.

que nuevo!!...ART NOUVEAU

Es un movimiento, una época, un grupo de tendencias, que se inicia en Francia y Bélgica y luego se extiende por toda Europa e incluso los Estados Unidos. El Art Nouveau planteaba la ruptura definitiva con los viejos estilos para dar lugar a la naturaleza, de donde tomaban diversos elementos o motivos ornamentales. Aunque este conjunto de tendencias se tradujo en agregados formales a objetos resueltos, en muchos casos, funcionalmente, cambió la tradición estilística cultural y puso las bases para transformaciones mucho más profundas.

Art Nouveau, es la variación de Jugendstil y otros estilos, pero que unidos están inspirados en las teorías de William Morris y su orientación liberalista frente a la estética de los “estilos históricos”, todos ellos deberían proponer un repertorio estilístico sin referencias a ninguna época anterior, la exaltación hasta los límites de las técnicas artesanas y la aceptación incondicional de la intervención de la máquina.

El Art Nouveau y sus movimientos análogos introducirían el concepto de la estética en los artistas y artesanos en una dimensión de transformación y lucha, ante sí y ante la estructura social en que aquéllos se hallaban insertos. Los que han considerado al Art Nouveau como una corriente opuesta al racionalismo, cabe señalar ciertas analogías entre ambos movimientos, entre las cuales pueden citarse la promoción del papel desempeñado por los materiales y las máquinas o herramientas de fabricación en la creación formal, o bien su originalidad estilística.

Para Charlotte y Peter Fiell, el Art Nouveau fue un estilo histórico surgido en la década de 1880 que se inspiraba en el movimiento Arts & Crafts británico, conocido también como “nuevo arte”.

Entre los exponentes del Art Nouveau:

Victor Horta, buscar el arquitecto belga cuyo Hotel de familia o Casa Tassel (1892-93) fue una de las primeras expresiones de este estilo en arquitectura. Este novedoso proyecto residencial incorporaba el hierro como mecanismo estructural y decorativo, y el uso de columnas como tallos girando en espiral acuñó la expresión “línea Horta”.

Hector Guimard, y especialmente por sus entradas o bocas de hierro fundido del Metro de París (1900). En Francia, también se utilizó el término “Le Style Moderne” para identificar al Art Nouveau, mientras que en Alemania se adoptó la denominación Jugendstil o estilo joven.

Antoni Gaudí, exponente en España con sus diseños y edificios ondulantes fue el precursor del Arte Nuevo, en Barcelona.

Émile Gallé y otros, produjeron notables piezas de mobiliario y cristalería de estilo Art Nouveau. Las líneas sinuosas y la estilización de formas florales, que identificaban de inmediato al Art Nouveau, se inspiraban más en la naturaleza que en los estilos del pasado.

El Art Nouveau puede considerarse el primer estilo moderno verdaderamente internacional. Fue superado estilísticamente a principios del siglo XX por la estética de la máquina y la preferencia de las vanguardias por las formas geométricas simples, más adecuadas a la producción industrial.

Características generales del Art Nouveau:

• Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época.


• Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo.


• Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la impresión...


• Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial
  
  
  Algunas obras de Art Nouveau

REFERENCIAS CONSULTADAS

Jugendstil (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: http://blog.educastur.es/diseno [Consulta: 2008, Enero 26]

Jugendstil (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.swissinfo.org/spa/ cultura/detail/Jugendstil [Consulta: 2008, Enero 26]

Jugendstil y Art Nouveau (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: blog.educastur.es [Consulta: 2008, Enero 26]

ARTS AND CRAFTS. "lucha artesanal"

Esto quiere decir en castellano Artes y Oficios; fue un movimiento artístico que se inicia en Inglaterra en la parte final del siglo XIX, también tuvo su auge en Estados Unidos, en los cuales sus comienzos fueron ocupados a los productos artesanales, y el futuro de la industria en la sociedad sin dejar atrás los productos que se elaboraban, con este mecanismo.

Para este movimiento era más importante el ser humano sobre la maquina, oponía la creatividad y el arte a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas constituyendo sobre todo un arte decorativa.


Tuvo gran influencia en la arquitectura, todas las artes decorativas, el diseño de jardines y en todas las artesanías. Este movimiento se inspiro en la obra de John Ruskin (1819-1900).
Es el critico de arte más conocido en su época, él se opuso a la revolución industrial y amaba la corriente romántica en su concepción de artista. Sus ideas influyeron en el movimiento Arts and Crafts, que tenia por característica el retorno a la naturaleza, formas graciosas, onduladas, delicadas, donde frecuentemente se ven reflejadas las formas de la naturaleza en flores, insectos, aves, peces e incluso en animales mitológicos como los dragones.



Pero el precursor, el creador de este movimiento fue William Morris (1834-1896), según su concepción la belleza está en la concordancia total entre forma y función. Él incluyo todo la producción artesanal británica, también práctica la política, en donde participa en varios eventos y campañas políticas, que le permiten difundir aun más su movimiento artístico, es tanto que crea un escuela llamada en ingles Central School of Arts & Crafts, centro para difundir las ideas del movimiento, pero no se trata de una escuela en sí.
Entre las actividades que realizaba Morris están: artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre polifacético.
Lo que buscaba Morris y Arts and Crafts, era un arte sin industrialización, que no le hiciera daño a la sociedad, ellos impulsaban más el resurgir del arte medieval e impulsar el arte manual, expresados en telas, tapices, papeles pintados y muebles.

SILLAS DISEÑADAS POR "MORRIS AND COMPANY"

TAPIZ DISEÑADO POR "MORRIS AND COMPANY" SE APRECIA LOS MOTIVOS FLORALES Y NATURISTAS TAN CARACTERISTICOS DEL "ARTS AND CRAFTS"

Una parte importante, es que las cosas que se realizaban fueran útiles, prácticas y sobre todo funcionalidad, sin dejar atrás a la belleza. Todos los artistas que practicaron este movimiento, tenían cuatro palabras claves: simplicidad, esplendor, naturaleza, color y textura.

Pero Morris no estaba solo, hubieron más hombres y mujeres que lo acompañaron a fomentar este movimiento, entre los cuales estaban como precursores: Charles Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Frank Lloyd Wright, Gustav Stickley

EDWARD BURNE-JONES DE PIE JUNTO A WILLIAN MORRIS SENTADO, CUANDO TRABAJABAN JUNTOS.

Para conocer un poco más a estos artistas, aquí se dará una pequeña descripción:
· James McNeill Whistler (1834-1903), este se opuso a Morris, pero fue uno de sus mejores realizadores en el campo de la decoración de interiores.
· Philip Webb (1831-1915), arquitecto y amigo personal de Morris, creo grandes obras arquitectónicas, uno de estas fue la Casa Roja en donde vivió Morris.
· Mackay Hugh Baillie Scott (1865-1945) estuvo influido primeramente en Morris y Ruski y después hiso su propio estilo distintivo. Se inspiro del arte gótico y de la artesanía. Él describió a su clientela como “gente con sensibilidad artística pero de renta modesta” con esta idea inventó un nuevo tipo de vivienda espaciosa y armoniosa.

· Edward Burne-Jones es el ilustrador y pintor que colaboró con Morris de manera más estrecha. Sus obras, todas de corte clásico y medievalista, poseen un estilo muy personal, que se adaptaba muy bien a las ornamentaciones diseñadas por Morris.
· Dante Gabriel Rossetti también fue pintor y poeta. Sus modelos pelirrojas son casi todas ellas variaciones de Jane Morris, la mujer de William Morris. Fue uno de los miembros fundadores de la Hermandad de los Prerrafaelistas, junto con Holman Hunt y John Millais.
· Aubrey Breadsley es uno de los ilustradores más famosos del diseño editorial de finales del XIX, aunque su nombre traspasó las fronteras del XX. Murió antes de cumplir 30 años y debe su fama al toque erótico de sus dibujos, conseguidos frecuentemente con blanco y negro puros, tratados en masas o líneas de contraste.
· George Devey fue un arquitecto que diseñó más de veinte casas de campo siguiendo las ideas de Ruskin y del Arts and Crafts. De él se ha dicho que tenía un gran sentido del lugar en el que emplazaba sus edificios y un uso muy creativo de los materiales.
· Charles Rennie Mackintosh es uno de los grandes arquitectos y diseñadores del siglo XX. Una de sus obras más conseguidas es la famosa Escuela de Arte de Glasgow, pero además construyó bellísimas casas de campo y fue un consumado acuarelista.
· E.S. Prior fue muy valorado como arquitecto por la originalidad de sus plantas, que a veces tienen forma de mariposa. De sus edificios se dice que poseen un sentido simbólico, lleno de detalles constructivos.
· Edwin Lutyens es uno de los arquitectos más reconocidos entre los que concluyeron su formación en las décadas finales del XIX. Influido por Ruskin como muchos de sus compañeros, construyó numerosas casas de campo de gran originalidad y se embarcó después en diseños urbanísticos para la India. Sus edificios alcanzan, en las mejores ocasiones, una fuerza y dimensión clásicas. Frank Lloyd Wright es, para muchos, el más grande arquitecto americano y uno de los más destacados de todos los tiempos. Su concepto de casa de campo así como su filosofía "organicista" deben mucho al movimiento Arts and Crafts, que a lo largo de su vida desarrolló hacia formas más industriales y modernas. Sus obras poseen siempre una fuerte carga emocional y simbólica.

· Eric Gill es uno de los artistas más polifacéticos de la primera mitad del siglo XX. Escultor, grabador, escritor y diseñador tipográfico, su obra está muy vinculada con sus creencias religiosas y su sentido personal del arte. Para la Monotype Corporation diseñó las tipografías Perpetua, Gill Sans Serif, Joanna y Pilgrim.
· Carl Larsson es el artista más representativo de la filosofía Arts and Crafts fuera de Inglaterra, ya que la adaptó al entorno escandinavo. Junto con su mujer, Karin, reformó su casa de campo en una obra de arte llena de detalles arquitectónicos y de un mobiliario original. Después la dio a conocer en una serie de libros de acuarelas, en las que mostraba la vida hogareña del matrimonio con sus hijos, que alcanzaron un éxito extraordinario.

En el movimiento Arts and Crafts se encuentran principios filosóficos éticos y políticos, tanto como estéticos. Sus principios fueron:
-Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad funcional y moral.
-Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentado sus tareas.
-Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las artes aplicadas.
-Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño. Una idea que sería recogida por el racionalismo de principios del siglo XX.
-Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo.
-Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente.

Algunas de las obras más conocidas de Arts and Crafts

ESTE ES UN EJEMPLO DE MUCHAS OTRAS OBRAS DE GRAN VALOR DE ESTE

MOVIMIENTO ARTÌSTICO

REFERENCIAS CONSULTADAS

Arts and Crafts (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.wikipedia.com [Consulta: 2008, Enero 4]

Arts and Crafts diseñadores (2007). [Página Web en Línea]. Disponible: http://www.galeon.com [Consulta: 2008, Enero 4]

Gran Enciclopedia Larousse. (1967). Diccionario Enciclopédico (t. 1). Barcelona: Editorial Planeta.